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domingo, 14 de octubre de 2012

Serie bicicletas

Serie no figurativa del centro de la clase (módulos con bicicletas)



Fotomontaje no realista. Escala y repetición

El trabajo consistía en hacer un fotomontaje no realista,  utilizando un elemento como referencia, y con la repetición y el cambio de escala de éste transmitir un mensaje.
Al principio quise basar la idea en el mensaje que quería transmitir y no en el elemento de referencia; por ello, pensé en todo aquello que actualmente me molesta. Así llegué a la idea de que mi trabajo tendría que reflejar el desacuerdo a la política de gobierno, y más en concreto, a los recortes que actualmente se están haciendo, pues nos afectan en muchos campos, y principalmente en la cultura y la educación.
Por ello utilicé como fondo del fotomontaje los logos de los distintos ministerios que sufren los recortes. Destaqué con un mayor tamaño o con la repetición algunos de los que más me preocupan ( la cultura, la educación, la sanidad....y la mujer en la actualidad).
  
El resultado del montaje de los ministerios es el siguiente:



Una vez creado el fondo escogí las tijeras como elemento que a través del cambio de escala , la excesiva repetición y la posición en cruz transmitiesen el mensaje ("No a los recortes"):


  Resultado final:


sábado, 13 de octubre de 2012

Acción/ Collage/ Intervención / Fotografía

Este trabajo libre, consiste en crear una imagen, a partir de una repetición excesiva de un elemento, intentando que la identidad del elemento no se reconozca. Podía ser un collage, una intervención, una fotografía, una acción... Consistía en un trabajo libre que nos permitía crear sin restricción.

En mi caso, hice dos intentos, uno con cápsulas de Nespresso, y otro con vasos de plástico rellenos de líquidos variados.

Con las cápsulas de Nespresso primeramente quise colocarlas de manera ordenada, pero luego al caer de las cajas donde estaban guardadas me dí cuenta de que era mucho mas original e interesante de manera desordenada. Por ello, una vez que tenía las capsulas distribuídas quise "jugar" con la luz y la sombra, los distintos enfoques de la cámara, los distintos puntos de vista y con la cercanía y la lejanía de la cámara. El resultado de todo ello fueron éstas imágenes: 









 Y las imágenes definitivas:
  


Con los vasos de plástico quise jugar con los diferentes colores dentro de ellos (bebidas: leche, aceite  vino, zumo, Coca Cola, agua, vinagre, Fanta...) y con las diferentes alturas de las bebidas en los vasos. Todo ello, junto con diferentes enfoques, ilumianaciones, luces y sombras dió lugar a una gran variedad de imágenes:











Finalmente tras una gran cantidad de pruebas e imágenes también válidas, llegué a las fotografías finales:







Arte corporal. Yves Klein

Basándonos en el artista francés Yves Klein, y en su obra "Anthropometries"(que se basa en la expresión a través del cuerpo), creamos en grupos de cinco personas y en un papel de cinco metros de largo, un cuadro en el que solo podíamos pintar con nuestro cuerpo. 

Nos inspiramos en un vídeo del artista, en el cual él no es el que se pinta, sino el que dirige. Hay unas modelos, las cuales son colocadas no de manera aleatoria, sino de manera ordenada siguiendo las órdenes y la idea del artista:



 El resultado final de ésta intervención es el siguiente:


Por ello, una vez divididos en grupos debíamos decidir quien sería "Yves Klein " (el artista) y quienes los "modelos", y sobre la idea del artista  crear el cuadro. 
Nuestro cuadro final se llama : " Fue, es, será", y la idea era expresar las diferentes etapas en la vida de todos nosotros en cuanto a la arquitectura. Es decir, un primer momento ( la niñez) donde veíamos todo muy "bonito"; un segundo momento de confusión; un tercero de observación; un cuarto de revelación y un quinto de aceptación y lucha. 

El resultado final:




  • Primera parte: representa la etapa de la niñez, colorida, donde ya teníamos la idea de ser arquitectos, pero lo veíamos muy fácil y bonito, sin problemas. Utilizamos las manos, imitando al dibujo de los niños.
  • Segunda parte: representa una etapa de indecisión y confusión, que corresponde a la juventud, pues todos nosotros hemos pasado por un momento en el que no sabíamos con seguridad si era ésto lo que queríamos hacer. Por ello, en el cuadro las manos comienzan a difuminarse, simbolizando la confusión e indecisión.
  • Tercera etapa: expresa el momento en el que todos nosotros vemos todo " negro". Es decir, vemos la profesión, y el futuro muy duro y negro. Por ello a través de la espiral o agujero negro hemos querido expresar esa sensación de que todo va a ir mal.
  • Cuarta etapa: es una etapa de observación. Es decir, observamos la realidad, lo malo y lo bueno y lo analizamos para ver si de verdad el ser arquitectos es lo que de queremos ser. Por ello, mediante la figura de un cuerpo nos simbolizamos a todos nosotros como observadores. 
  • Quinta etapa: es una época de rebeldía, en la cual debemos enfrentarnos a lo que tenemos, presente y futuro para conseguir nuestro objetivo, el ser arquitectos. Por ello, ésta etapa de color la hicimos pintando con el pelo, simbolizando esa rebelión.
  • Sexta etapa: mediante la pintura amarilla del fondo quisimos expresar y transmitir que existe una pequeña salida, una luz al final del camino, y que no todo es malo, pues el conseguir llegar a ser arquitectos es la "luz" que acaba con todo lo anterior.

Expresión sensorial. Dennis Oppenheim.

Éste trabajo se basa en la obra de Dennis Oppenheim(Mason City, Washington, 1938) Artista estadounidense. Destacó a partir de los años sesenta por sus reflexiones artísticas, que indagan en la relación del creador con el espectador. Su obra ha sido inscrita en diferentes estilos del arte moderno: land art (Annual rings, 1968), body art o arte corporal (Parallel stress, 1970), performances (Rocked circle, 1971); en las que la fotografía, el vídeo y el texto figuran como materiales destacados, etc. En 1972 eliminó definitivamente la presencia del artista para mostrar la obra como dispositivo autónomo (Attempt to raise hell, 1974; Way station launching and obsolete power, 1979). En 1998 expuso su obra en la galería Stefan Stux de Nueva York.


Nos inspiramos en este vídeo homenaje a Dennis Openheim, para realizar el trabajo.


El trabajo, en parejas, consiste en expresar mediante la pintura, lo que se está sintiendo en la espalda por parte de la otra persona de la pareja. Es decir, uno de la pareja pinta sobre la camiseta de otro su idea (primero un boceto) y al que le están pintando intenta transmitir en el papel esas sensaciones. 

En mi caso, mi pareja fue Flor Jazmín  y a continuación muestro la camiseta de Flor ( pintada por mí) y dos papeles (pintados por ella) reflejo de la sensación que sintió cuando estaba pintando sobre ella:



Sobre estos dibujos, debíamos crear una serie:




Parametrización de prendas

El trabajo consistía en la creación de una o varias nuevas prendas, a partir de otra, una vez descompuesta en patrones, y nunca sin cortar por otro sitio que no fuese el patrón.
Para ello empecé probando con distintas prendas de diferentes texturas, pues mi idea inicial se basaba precisamente en ese juego de texturas. Empecé imaginando con unos pantalones de leopardo, de los que saldría una camiseta, luego con un vestido de lino, una camiseta hippie, unos pantalones de cuero de los que quería conseguir unos pantalones cortos, y una chaqueta de algodón. Una vez analizadas todas estas texturas (leopardo, lino, tela, cuero, algodón) empecé a imaginar la idea final, aunque todavía no tenía muy claro la prenda definitiva.


Finalmente decidí la prenda definitiva, un pantalón largo de lino:



Con la prenda final  la dividí por patrones, y con ellos delante empecé los primeros bocetos:


Así surgió la idea final, que consistía en un pantalón corto al que se le añaden dos telas auxiliares, y dependiendo de la colocación de estas prendas se consigue una prenda u otra, pudiendo llegar a ser tres o cuatro prendas distintas.

Proceso:


y la nueva prenda:

  • Tipo 1: las telas auxiliares funcionan como chaleco, de manera casual, pero enganchadas por la espalda con un lazo rosa (complemento que quise añadir a la prenda final para darle un toque de color) enganchado a las dos telas mediante botones que se enganchan y desenganchan fácilmente.

  • Tipo 2:  las dos telas ajustadas al cuerpo, funcionando como una "camiseta" y enganchada al cuello mediante un nudo. En la zona central se une mediante un enganche para evitar que se abra.


  • Tipo 3: es una variante del tipo 2. La única diferencia con éste es que las dos telas auxiliares se enganchan entre sí en la cabeza, funcionando como "camiseta-diadema" mediante un botón rápido, y adornado con un botón superior rosa, a juego con el resto de la prenda.
  • Tipo 4: las dos telas auxiliares se cruzan y se enganchan en la espalda mediante un nudo.
 
  • Tipo 5: variante del tipo 4, pues la zona central es igual, pero se engancha al igual que el tipo 3 en la cabeza, funcionando como diadema. (En este caso, el botón de enganche es diferente al del tipo 3, pues al ser cruzado, la tela llega más justa a la cabeza).
  • Tipo 6: las dos telas se cruza, pero mas sueltamente y por tanto, ya no funcionan como " camiseta" sino como chaleco. en la espalda se enganchan mediante un botón.




y el resultado en el muguruza:



Creación de una nueva realidad

Éste fue el segundo trabajo con photoshop, donde, al igual que en el primero, debíamos conseguir una imagen, un montaje utilizando una persona, un una planta y un edificio; pero ésta vez debía ser surrealista, una nueva realidad.
Primero me basé y busqué inspiración e influencias en aristas e imágenes surrealistas, para así, entender mejor el trabajo.







Después de mirar mucho, empecé a tener alguna idea. La primera surgió en base a "El Grito" de Munch, pues quise crear una realidad que partiese de un grito central desgarrador, de desesperación, observado por cuatro caras. el grito simbolizaba en mi idea, la "crisis" y las cuatro caras la pasividad del mundo ante esta. 

En la segunda idea quise simbolizar con las manos " deseperadas" que la construcción de edificios no debe parar. 

En la tercera idea quise utilizar las manos desgarradoras de la segunda imagen, el grito de la primera e introducir un elemento vegetal, que este caso eran una ramas oscuras. Todo ello en blanco y negro, pues quise expresar la mala situación actual, y no era adecuado introducir el color.


Por último, y en base a todas las anteriores pruebas surgió la idea final, en la que quise expresar que la construcción está parada, no crece (ciudad agarrada por el paraguas) pero contra la que debemos luchar (el grito). Así aparece montaje final:



Finalmente la manera de exponerlo en el muguruza fue ésta: